• El Museo Amparo presenta el programa público El círculo que faltaba, coordinado por Magalí Arriola.
• El programa en línea permite darle continuidad al proyecto de investigación y exhibición que se desarrolló a lo largo de los últimos tres años como parte de la exposición El círculo que faltaba.
• El programa de actividades plantea nuevas experiencias de comunicación para mantener el diálogo con artistas, curadores y especialistas.
• Conferencias, conversaciones, diálogos y performances permitirán rastrear una parte del camino que condujo a la premisa curatorial de este proyecto.
• El programa de actividades se transmitirá por Facebook Live a partir del 1º de junio a las 13:00 horas.

El programa de actividades El círculo que faltaba, coordinado por la curadora Magalí Arriola, busca dar continuidad al proyecto de investigación y exhibición que se desarrolló a lo largo de los últimos tres años. El programa público presenta una serie de conversaciones, conferencias y performances que permitirán rastrear una parte del camino que condujo a la premisa curatorial de este proyecto, que aborda episodios de la historia política, económica y social del continente.

El título del proyecto retoma las palabras del escritor argentino Julio Cortázar en su texto “Negación del olvido” (1981) pronunciado en el marco del Coloquio de París sobre la política de desaparición forzada de personas. “Y si toda muerte humana entraña una ausencia irrevocable, escribía Cortázar, ¿qué decir de esta ausencia que se sigue dando como presencia abstracta, como la obstinada negación de la ausencia final? Ese círculo faltaba en el infierno dantesco, y los supuestos gobernantes de mi país, entre otros, se han encargado de la siniestra tarea de crearlo y de poblarlo”.

Este programa público recogerá algunos momentos previos a la organización de la muestra (fragmentos de los seminarios de investigación como las comisiones a distintos artistas latinoamericanos que participan en ella) y abrirá nuevas perspectivas que darán contexto a la exposición final.

Estos distintos momentos que habrán de converger en El círculo que faltaba buscan explorar el papel que los cadáveres contados y las almas desaparecidas juegan en el mundo de los vivos, no sólo como víctimas de una violencia institucionalizada sino, también, como los agentes emancipadores al centro de nuevas formaciones políticas; no sólo como las memorias persistentes del pasado sino, también, como las expectativas vigilantes de nuestro futuro más próximo.

Las transmisiones se realizarán a partir del 1º de junio a las 13:00 horas y permanecerán en la página web del Museo Amparo y en sus distintas plataformas.

El círculo que faltaba Programa público en línea

Coordinación: Magalí Arriola | Curadora
Transmisión en vivo por Facebook Live a las 13:00 horas

• 1º de junio
Entrevista a Magalí Arriola por Natalia Valencia
Introducción a la narrativa del proyecto
Introducción al programa en línea

• 3 de junio
Carla Zaccagnini. El presente, mañana

• 17 de junio
Noé Martínez y Noemí Pérez. Comunidades y especies en riesgo
Conversación moderada por Magalí Arriola

• 29 de junio
Link al audio El pueblo es superior a sus dirigentes de Pável Aguilar (20 minutos) y a la película
La forma del presente de Manuel Correa (colección Kadist)

• 1º de julio
Pável Aguilar y Manuel Correa. Los orígenes del conflicto en Colombia
Conversación moderada por Natalia Valencia

• 15 de julio
Rometti Costales y Jorge Pavez Ojeda. Los cuerpos del desierto
Conversación moderada por Magalí Arriola
Duración: 1 hora. Transmisión por Zoom

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•La muestra cuenta con la curaduría de Pilar García

 

•La exhibición es organizada y producida por el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC-UNAM).

 

•La exposición propone la primera reconstrucción de las tres exposiciones que organizó el Salón Independiente de 1968 a 1970.

 

•El Salón Independiente fue una de las iniciativas más importantes que cambiaron las prácticas artísticas en México.

 

•La muestra reconstruye la propuesta estética y política de artistas que marcaron una época en el arte contemporáneo en México.

 

•La exposición permanecerá abierta al público hasta el 15 de junio de 2020.

 

El Museo Amparo presenta la exposición Un arte sin tutela: Salón Independiente en México, 1968-1971, organizada y producida por el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUACUNAM), que será inaugurada el sábado 15 de febrero a las 12:00 horas con una charla a cargo de la curadora Pilar García y el artista Brian Nissen, en el Auditorio Arq. Pedro Ramírez Vázquez.

 

Un arte sin tutela: Salón Independiente en México, 1968-1971 propone la primera reconstrucción de las tres exposiciones que organizó el Salón Independiente de 1968 a 1970, como momento clave en el cambio del arte en México.

 

El Salón Independiente fue una de las iniciativas más importantes que cambiaron las prácticas artísticas en México. A partir de él, surgió la posibilidad de organizaciones grupales que desarrollaran proyectos en conjunto y de carácter experimental, además de fortalecer actitudes contestatarias frente al orden establecido promoviendo la libertad de creación y la autogestión.

 

Un arte sin tutela: Salón Independiente en México, 1968-1971 parte de la investigación en distintos archivos y tiene como objetivo realizar un trabajo historiográfico que documente y reconstruya la propuesta estética y política de artistas que marcaron una época en el arte contemporáneo en México.

 

Un arte sin tutela: Salón Independiente en México, 1968-1971 permite esclarecer el clima de la producción artística y dar valor a su trascendencia en el momento donde coinciden en México los Juegos de la XIX Olimpiada, el movimiento estudiantil y la violencia del Estado en nuestro país durante 1968.

 

 

La muestra reúne más de 150 obras de artistas como Gilberto Aceves Navarro, Lilia Carrillo, Arnaldo Coen, José Luis Cuevas, Felipe Ehrenberg, Helen Escobedo, Fernando García Ponce, Marta Palau, Tomás Parra, Vicente Rojo, Francisco Icaza, Hersúa, entre otros.

 

 

El Salón Independiente agrupó a artistas de posiciones estéticas y políticas heterogéneas, bajo una propuesta que, poniendo distancia con la institución y el circuito comercial de galerías, articuló nuevos lenguajes artísticos y exploró soportes no tradicionales y nuevas opciones de consumo del arte.

 

 

Un arte sin tutela: Salón Independiente en México, 1968-1971 reconstruye un arte distinto que se proponía efímero y colaborativo y que incidió en nuestra historia del arte más reciente como referente capaz de dialogar con experiencias de décadas posteriores.

 

 

La primera causa del Salón fue la defensa de la más estricta libertad creativa individual, progresivamente la agrupación articuló posiciones colaborativas, el juego con materiales inusuales, y la producción de ambientaciones y obras efímeras, especialmente en el Tercer Salón de 1970 donde la falta de recursos invitó a los artistas a trabajar con cartón y papel periódico. El Salón Independiente fue también el escenario del choque generacional entre la práctica individual del taller y la ambición de producir un arte colectivo y politizado de la década de los años setenta.

 

 

La exposición busca incidir en las disputas actuales en torno al sentido de aquella experiencia y su capacidad de activación sobre el presente, y a pensar en sus ecos y reverberaciones. La reconstrucción del Salón Independiente no sólo completa un capítulo pendiente de la historia del arte, sino que permite pensar la potencia y diversas encarnaciones que puede tomar la noción de autonomía.

 

La exposición está dividida en tres núcleos temáticos que corresponden a los tres Salones Independientes que se presentaron en 1968, 1969 y 1970.

 

 

Salón Independiente 68

 

 

Libertad y autogestión

 

El Primer Salón Independiente se inauguró el 15 de octubre en el Centro Cultural Isidro Fabela, con la participación de 46 artistas y con predominancia de obras en caballete. Los principios del colectivo se enlistaron en la entrada de la exposición como una primera declaración que priorizaba la libertad de creación, la independencia de las instituciones y la inclusión de artistas extranjeros. Con esta acción, se inauguró un modelo autónomo y autogestivo en las prácticas artísticas en México y un acto de resistencia ante el gobierno represor.

 

 

Salón Independiente 69

 

 

Rechazo a las bienales y concursos nacionales

 

 

El 16 de octubre se inauguró el Segundo Salón Independiente en el Museo Universitario de Ciencias y Arte (MUCA) con un exitoso resultado entre el público y la crítica. Como esta edición contaba con mayor espacio, los artistas mostraron conjuntos de obra en lugar de piezas aisladas. La muestra refrescaba la escena y la práctica artísticas al mostrar una variedad de tendencias que esta generación proponía de forma innovadora, en un contexto que demandaba radicalidad y transformación.

 

 

El Segundo Salón puso especial énfasis en invitar a artistas internacionales para que formaran parte de la muestra. Entre los 31 participantes se encontraban figuras como el peruano Fernando de Szyszlo, el argentino Antonio Seguí, el español Rafael Canogar y el estadounidense Leonard Baskin.

 

 

Salón Independiente 70

 

 

Experimentación colectiva

 

 

Desde que se comenzó a planear el Tercer Salón Independiente, se consideró que la propuesta tendría un carácter experimental. La falta de fondos obligó a que los integrantes exploraran nuevas estrategias de expresión a bajo costo y abrió la posibilidad de convertir el espacio del museo en un laboratorio de experimentación. Por primera vez en el contexto mexicano se crearían obras efímeras in situ, alejadas de las convenciones artísticas. Con la intención de generar unidad y coherencia, el grupo eligió utilizar materiales económicos y poco duraderos, como papel periódico y cartón, para crear ambientes donde sobresaldrían la personalidad y el estilo de cada artista. El proyecto fomentó un ambiente de creación colaborativa y experimental que desacralizaba el arte. La precariedad de los materiales elegidos y las grandes dimensiones de las piezas se vinculan al rechazo de la comercialización del arte.

 

 

Debido a la naturaleza del soporte y la fragilidad de las piezas, la mayoría fueron destruidas.

 

 

Al tratarse de piezas clave y transgresoras, y con la intención de conservar en la colección del museo obras que ayuden a comprender las prácticas artísticas experimentales de finales del los años sesenta en México, se hizo el esfuerzo de reinstalar algunas de ellas en colaboración con los autores.

 

Salón Independiente

 

 

El Primer Salón Independiente abrió sus puertas en octubre de 1968, en el Centro Cultural Isidro Fabela, los participantes se organizaron a partir del desacuerdo que generó la Exposición Solar convocada por el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), realizada paralelamente a la XIX Olimpiada y en el contexto de la represión del movimiento estudiantil. En 1969 y 1970 se realizaron el Segundo y el Tercer Salones Independientes en el Museo Universitario de Ciencias y Artes (MUCA) de la UNAM y, a partir de ellos, la disidencia política se hizo formal.

 

 

En 1970, por motivos presupuestales, las obras fueron realizadas con papel y cartón, in situ, con un carácter efímero y experimental. Esta última muestra también se presentó en las ciudades de Toluca y Guadalajara.

 

 

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El Museo Amparo presenta la exposición Erick Meyenberg, denominada “Re Mayor No Es Azul“y esta será inaugurada el 18 de enero a las 12 horas, en la misma se reúnen doce obras y proyectos del artista donde se alcanzan más de 15 años de producción.

Erick Mayerberg, durante su trayectoria profesional se ha orientado a la expansión de los canales de percepción humanos esto a partir de la elaboración de meticulosos esquemas cromáticos, ha desarrollado un trabajo inter multidisciplinario que se materializa en obras donde se combina dibujo pintura, collage, escultura cine y performance.

En la obra "Re Mayor No Es Azul", el artista dijo que se establecen tres ejes temáticos dijo uno es la naturaleza otro la historia y lo social, así como la exposición misma que refleja complejas problemáticas del presente que establecen desde la pedagogía como instrumento ideológico, así como los monumentos públicos, como expresión de manera colectiva la integración cultural de minorías, la destrucción del medio ambiente y la militarización del territorio.

El título de la exposición- “Re Mayor No es Azul” que es tomado de un pasaje de Oliver Sacks, sobre la sinestesia que opera en muchos de los trabajos de Meyenberg, así como un mecanismo perceptivo fluctuante que nunca garantiza una sensación universal, pues una persona probablemente vea esa misma nota musical de un color distinto al azul.

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Miércoles, 06 Noviembre 2019 00:46

Ciclo de cine africamericanos en Museo Amparo

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• Festival Ternium de Cine Latinoamericano llega a su sexta edición con 9 cintas de 8 países
• Del 4 al 6 de octubre se presentará el Festival Ternium de Cine Latinoamericano con 9 cintas de México, Argentina, Brasil, Costa Rica, Cuba, Paraguay, Puerto Rico y Uruguay
• Las 12 proyecciones serán gratuitas, siete en el Auditorio Arq. Pedro Ramírez Vázquez del Museo Amparo; dos en el CCU BUAP; una en el Teatro de la Ciudad; y dos funciones al aire libre, una en el Zócalo de la Ciudad y otra en el Zócalo de Xoxtla.

Del 4 al 6 de octubre, el público podrá disfrutar por sexta ocasión en Puebla del Festival Ternium de Cine Latinoamericano. Esta muestra presenta lo más relevante de la producción cinematográfica latinoamericana, y se realiza gracias a la colaboración del Museo Amparo con Ternium y Fundación PROA.

En rueda de prensa Pedro Román, Jefe de Relaciones con la Comunidad de Ternium, indicó: “Este Festival continúa con su objetivo de promover el séptimo arte e impulsar una identidad común latinoamericana, de la misma forma en que Ternium se fortalece con la suma de las diferentes culturas que la integra, y agregó: “El Festival Ternium de Cine Latinoamericano, como cada programa de Relaciones con las Comunidades que impulsa Ternium en México, lleva lo mejor a la comunidad, en este caso, lo mejor del cine en América Latina.

A lo largo de doce años han asistido a este Festival más de 70 mil personas en doce ediciones en Monterrey y ocho en Colima.

Ramiro Martínez Estrada, Director Ejecutivo del Museo Amparo, mencionó: “Es un placer colaborar una vez más con Ternium México y Fundación PROA para recibir este importante proyecto que nos ha permitido ampliar nuestra oferta de actividades culturales en nuestra ciudad, en esta sexta edición se suman 2 sedes: el Complejo Cultural Universitario BUAP y el Teatro de la Ciudad, en beneficio del público de Puebla”.

Esta edición proyectará cintas como la brasileña Las dos Irenes; Violeta al fin una producción de Costa Rica; y la película de Puerto Rico, El Silencio del Viento. De Paraguay llega Los Buscadores; de Uruguay tendremos Mi Mundial y dos filmes argentinos, Rojo y Sueño en Florianópolis.

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Martes, 07 Mayo 2019 20:32

Museo Amparo presenta Temporal

• Temporal es el resultado de un período de residencias artísticas, coproducido con el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC).
• Se presentan proyectos de los artistas Marwa Arsanios,  Antonio Bravo,  Núria Güell y Cristóbal Sarro, los cuales se concibieron en los alrededores de Puebla y Ciudad de México.
• Los proyectos se muestran en diferentes formatos como video, pintura y escultura.
•  Preguntas en torno a condiciones y problemáticas de dignidad humana, supervivencia y legalidad, conectadas con el mundo laboral, se encuentran al centro de los proyectos.
• La exposición permanecerá abierta al público en las Salas de Exposiciones

Temporales Planta baja hasta el lunes 8 de julio de 2019

El Museo Amparo presenta la exposición Temporal, en colaboración con el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC), que será inaugurada el sábado 4 de mayo a las 12:00 horas con una charla a cargo de los artistas Antonio Bravo y Cristóbal Sarro, acompañados por Daniela Pérez Villa, curadora de la exposición, en el Auditorio Arq. Pedro Ramírez Vázquez.

Temporal, bajo la curaduría de Daniela Pérez Villa y Alejandra Labastida, inició con la invitación individual a cuatro artistas –Marwa Arsanios (Beirut, 1978), Antonio Bravo (Estado de México, 1983), Núria Güell  (Barcelona, 1981) y Cristóbal Sarro (Puebla, 1992)– a realizar un período de residencia en los alrededores de Ciudad de México o de Puebla para producir un trabajo nuevo.

Los cuatro proyectos que esta exposición presenta profundizan en temas, estrategias y técnicas que los artistas vienen trabajando de tiempo atrás y que trascienden la temporalidad y el espacio de una invitación de esta naturaleza.

El proyecto de residencias se adaptó al temporal dictado por cada uno de los procesos de trabajo de los artistas. Las estadías se pensaron como espacios de colaboración y como experiencias personalizadas que establecieron la capacidad y los mecanismos para definirse, articularse y destacar dentro de la invisibilidad que habitan las diversas temáticas planteadas. Preguntas en torno a condiciones y problemáticas de dignidad humana, supervivencia y legalidad, conectadas con el mundo laboral, se encuentran al centro de los proyectos.

Temporal reúne cuatro proyectos en formato de video, pintura y escultura que ofrecen perspectivas formales y conceptuales muy distintas para posicionarse en tiempos de incertidumbre social, política y ecológica. Estos proyectos son:

Antonio Bravo (Estado de México, 1983)
Lecciones de cosecha (Harvesting Lessons), 2018
48 esculturas de adobe
96 dibujos, tinta sobre papel
48 fotografías, impresión digital C-Print
Cortesía del artista

Al recibir la invitación para este proyecto, Bravo decidió realizar su residencia en el pueblo originario de su familia en el municipio de Tepexi de Rodríguez, Puebla, donde él nunca vivió. Interesado en incorporar conocimientos específicos como una forma de entendimiento y relación con el presente, Bravo llevó a cabo una investigación de campo que consistió en trabajar la cosecha y la siembra de maíz y frijol durante el temporal de 2016 y 2017. La dinámica de trabajo la dictaron la tierra y la comunidad. La investigación resultó, entre otros objetos, en una instalación que aborda conceptos que van desde la migración, la herencia, la pertenencia, el regreso y la violencia, hasta el esfuerzo físico requerido para cuidar, caminar y recuperar una forma de vida.

Bravo generó enunciados con respecto a labores y acontecimientos cotidianos que se desdoblaron en fotografías, en dibujos y, finalmente, en esculturas de tierra que forman una especie de campo de arado que despliega la vulnerabilidad de una autonomía alimentaria en peligro de desaparecer.

Cristóbal Sarro (Puebla, 1992)
De la serie Urna de cenizas, 2019
Negro de hueso, pigmento a base de residuos óseos bovinos sobre muro
Cortesía del artista

La serie Urna de cenizas es la manifestación en múltiples formatos, de la primera etapa de resultados del proyecto de residencia de Sarro, el cual se enfoca en el sacrificio animal. El artista desarrolló una investigación en el Laboratorio de Fisicoquímica de la UNAM, con el propósito de crear su propia receta para elaborar un pigmento negro hecho de residuos óseos animales.

Cuando obtuvo el pigmento, realizó múltiples pruebas de aplicación en diversos soportes.

Analizó la permanencia, el cambio y la desintegración de los materiales para dar continuidad a su exploración técnica del dibujo anatómico animal a partir de una constante y minuciosa observación de las condiciones que afectan a distintas especies.

A pesar de que Sarro recurre a diversos tipos de fuentes para dibujar, ocasionalmente quedando registradas como anotaciones sobre sus murales o dibujos, su principal referencia es el animal vivo parado frente a él. Mediante esta estrategia, evita reproducir los errores plasmados en otras reproducciones visuales de representaciones animales.

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Jueves, 28 Febrero 2019 20:56

Aniversario 28 del Museo Amparo

• El Museo Amparo fue inaugurado el 28 de febrero de 1991
• 28 años de conservar, investigar, exhibir y divulgar el arte prehispánico, virreinal, moderno y contemporáneo de México
• Ofrece la exhibición Permanente de Arte Prehispánico y Arte Virreinal y Siglo XIX
• Presenta un programa continuo de exposiciones temporales nacionales e internacionales
• Lanzamiento de Amparo Plus: App de descarga gratuita en la que se puede consultar información sobre la Colección Permanente, Exposiciones Temporales y Actividades a través de contenidos dinámicos
• Ampliación de la Tienda del Museo y creación de la Tienda en Línea
• Programa de Actividades académicas, Talleres de iniciación artística y arte popular, Música en la Terraza y Ciclos de cine
• Programa de vinculación con la comunidad escolar
• Biblioteca, Cafetería y Terraza con vista al Centro Histórico
• Entrada gratuita domingos y lunes

El Museo Amparo es una institución privada fundada en memoria de Amparo Rugarcía de Espinosa Yglesias en 1991 por Manuel Espinosa Yglesias y su hija Ángeles Espinosa Yglesias Rugarcía a través de la Fundación Amparo, con el compromiso de conservar, investigar, exhibir y divulgar el arte prehispánico, virreinal, moderno y contemporáneo de México.
 
El Museo Amparo muestra un panorama general del arte mexicano a través de su Colección Permanente, exposiciones temporales nacionales e internacionales y de un intenso programa de actividades académicas, artísticas, educativas y lúdicas dirigidas a todo tipo de públicos.

Edificios

El inmueble del Museo Amparo formó parte de un conjunto de edificios que tuvieron distintos usos a lo largo del tiempo. Su historia se remonta al siglo XVI cuando en 1538 se funda el primer hospital de la ciudad de Puebla, llamado San Juan de Letrán, conocido como “El Hospitalito”.

En el siglo XX, el conjunto de edificios fue adaptado por el Arq. Pedro Ramírez Vázquez para ser sede del Museo Amparo, inaugurado en febrero de 1991. En 2010, la Fundación Amparo emprendió un proyecto de actualización arquitectónica a cargo del despacho TEN Arquitectos, encabezado por Enrique Norten. Se creó una propuesta arquitectónica contemporánea que convive con los edificios históricos y el patrimonio artístico que alberga al Museo.

Colección Permanente

La Colección Permanente del Museo Amparo está articulada a partir de dos ejes fundamentales: Arte Prehispánico y Arte Virreinal y Siglo XIX. Además, cuenta con un acervo de arte moderno y contemporáneo que actualmente está en desarrollo.

El México antiguo. Salas de Arte Prehispánico

El discurso museográfico de las Salas de Arte Prehispánico ofrece a los visitantes una introducción a la cultura y a la historia del México antiguo (1200 a.C. a 1500 d.C.), desde su geografía, organización social e historia hasta sus expresiones artísticas.

En las siete salas y el centro de documentación que conforman este eje de la colección conviven piezas de diversos formatos y materiales. Su riqueza muestra la pluralidad de técnicas como cerámica, tallado en piedra, labrado en hueso, fundido en oro y otros metales, así como fragmentos de pintura mural que en conjunto nos permiten conocer algunas características de la civilización mesoamericana.

Aproximadamente son 500 objetos artísticos, ceremoniales, suntuarios y funerarios provenientes del Occidente de México, la cuenca del Balsas y algunas localidades del valle de México como Tlatilco, Teotihuacán, Tula y Tenochtitlan. También se exponen ejemplares del centro de Veracruz, la cuenca del Usumacinta, Campeche, valle de Oaxaca y otras zonas de México. Estos objetos representan a las culturas olmeca, huasteca, maya, teotihuacana, nahua, zapoteca, tradición Mezcala, de El Tajín y de la tradición arqueológica tumbas de tiro, entre otras.

Colección de Arte Virreinal y Siglo XIX

Está conformada por obras realizadas durante el período novohispano (1521-1821) y el México Independiente (hasta 1900). Esta colección permite distinguir diferentes momentos de la vida de las obras, la creación de las piezas, la forma en que fueron usadas y a veces veneradas, así como las funciones adquiridas en nuevos entornos.

Se han reunido piezas de muy variadas técnicas, como un muestrario de la diversidad artística de nuestro país en estos períodos históricos. En pintura hay óleos sobre tela, placas de cobre y estaño; en escultura, obras de madera, algunas con decoraciones estofadas, además de repicados y otro tipo de ornamentaciones. En los muebles también se usaron técnicas diversas, y aunque la madera es su principal material se combina con cueros (a veces grabados y pintados), así como con sedas y terciopelos para sillas y sillones. En baúles, arcones, escribanías y cajones. Hacia 1642, el obispo Juan de Palafox y Mendoza solicitó que los enfermos se trasladaran a otro hospital. El edificio y los predios anexos que incluían la huerta y un terreno sin construir cambiaron su uso, alojando a varios colegios, como el Colegio para Niñas dedicado a la Purísima Concepción, y un albergue para mujeres casadas o viudas. Asimismo, sus muros vieron pasar una casa de sacerdotes, un asilo de ancianos y viviendas particulares. Desde 1871, una parte del edificio albergó la casa de Vicente Espinosa Bandini, abuelo de Manuel Espinosa Yglesias, fundador del Museo Amparo. Se presentan materiales complementarios o de ornato como marfiles, metales u otras maderas de distintas apariencias y pintura.

El recorrido por las salas permite asomarse a los espacios del pasado y apreciar, desde una mirada actual, las pinturas, esculturas, muebles y artes útiles que se conjugan para crear una vivencia vinculada al aire familiar e íntimo de una casa poblana del siglo XIX.

Exposiciones

El Museo Amparo genera y ofrece un programa permanente de exposiciones temporales nacionales e internacionales, abordando diversas temáticas y exhibiendo los múltiples lenguajes del arte contemporáneo. Las exposiciones se han acercado a diferentes materias y medios: arqueología, historia, arte contemporáneo, arquitectura, diseño, dando cabida a propuestas curatoriales de investigadores que encuadran miradas innovadoras al arte y a las manifestaciones culturales.

En los últimos dos años destacan:

• Marcos Kurtycz. Contra el estado de guerra, un arte de acción total
• In Tlilli in Tlapalli. Imágenes de la nueva tierra: identidad indígena después de la conquista
• La metrópolis en América Latina, 1830-1930
• Tercerunquinto. Obra inconclusa
• Perspectivas. Tatiana Bilbao Estudio
• Candida Höfer en México
• Yoshua Okón. Colateral
• Sheila Hicks: Hilos libres. El textil y sus raíces prehispánicas, 1954-2017
• Paz Errázuriz
• Estructuras de identidad: Fotografía de la Colección Walther
• Grupo Mira. Una contrahistoria de los setenta en México
• Lecturas de un territorio fracturado. Exposición colectiva de la Colección de Arte Contemporáneo    
del Museo Amparo
• Tipología del estorbo. Eduardo Abaroa
• Juan Fernando Herrán. Ni héroes ni mártires. Encuentros Latinoamericanos no. 2
• El fotógrafo Juan Rulfo

Página web

Con el objetivo de promover un mayor acercamiento del público con el Museo, nuestra página web cuenta con características orientadas a la experiencia del usuario y a facilitar el acceso a nuestro acervo. A través de esta plataforma, acercamos y ponemos a disposición del público la colección e investigaciones del Museo, poniendo en línea las fichas extendidas de las piezas de las colecciones que se encuentran exhibidas, todas disponibles en español e inglés, así como imágenes de diferentes vistas de las piezas y material adicional como infografías, mapas, archivos de audio o videos relacionados. Al día de hoy, se pueden consultar 1,017 registros de piezas de la Colección de Arte Prehispánico, la Colección de Arte Virreinal y Siglo XIX y la Colección de Arte Contemporáneo.

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Miércoles, 07 Noviembre 2018 21:49

La demanda inasumible

• El Museo Amparo presenta un recorrido por las estrategias de producción gráficas y colaborativas sobre la resistencia en México desde el movimiento estudiantil de 1968 a nuestros días
• La demanda inasumible muestra algunos momentos clave desarrollados en diferentes ciudades que van desde la Escuela Popular de Arte en Puebla en 19731974 al movimiento #YoSoy132 o las desapariciones de Ayotzinapa
• La exposición reúne carteles, fanzines, calcomanías, esténciles y volantes impresos y digitales que no se exhiben como “piezas de autor” sino como parte del campo de resonancias de las disidencias sociales que los produjeron
• Esta muestra será inaugurada el sábado 27 de octubre a las 12:00 horas con una charla a cargo de Alberto López Cuenca, Duna Aquino, Tania Valdovinos Reyes y Renato Bermúdez Dini, curadores de la exposición
• En el marco de La demanda inasumible. Imaginación social y autogestión gráfica en México, 1968-2018 se desarrollarán un ciclo de cine, un concierto y una jornada de conferencias que activarán el diálogo fuera de las salas
• La exposición permanecerá abierta al público hasta el 14 de enero de 2019

El Museo Amparo se complace en presentar la exposición La demanda inasumible. Imaginación social y autogestión gráfica en México, 1968-2018, que será inaugurada el sábado 27 de octubre a las 12:00 horas con una charla a cargo de los curadores de la exposición Alberto López Cuenca, Duna Aquino, Tania Valdovinos Reyes y Renato Bermúdez Dini, en el Auditorio Arq. Pedro Ramírez Vázquez.

Esta exposición propone un recorrido por algunas de las formas que ha tomado la gráfica y sus estrategias colaborativas de producción para elaborar imaginarios sociales de denuncia y resistencia en México desde el movimiento estudiantil de 1968 a nuestros días, enfatizando el ejercicio colectivo, anónimo y apropiacionista que late en ellos.

Es así que La demanda inasumible muestra algunos momentos clave, desde la Escuela Popular de Arte en Puebla en 1973-1974 a la Marcha de las Putas, pasando por las movilizaciones contra el Programa de Artistas Urbanos, el movimiento #YoSoy132 o las desapariciones de Ayotzinapa, el levantamiento del EZLN o el movimiento anarcopunk en Puebla entre fines de los ochenta y principios de los noventa.

Esta muestra reúne carteles, fanzines, calcomanías, esténciles y volantes impresos y digitales que no se exhiben como “piezas de autor” sino como parte del campo de resonancias de las disidencias sociales que los produjeron. Ese campo se ha reconfigurado a lo largo de estas cinco décadas, articulado a través de los nuevos medios de masas y respondiendo a distintas situaciones críticas tanto en Puebla como en México.

Las exigencias planteadas por los diferentes movimientos sociales que aparecen aquí se han topado frecuentemente tanto con la represión y la censura como con el desencanto ante un orden político que no ha sabido hacerse cargo de sus aspiraciones. La autogestión gráfica escenifica el profundo desacuerdo entre el poder institucionalizado y los deseos colectivos. Un conflicto  irresoluble del que La demanda inasumible se hace eco a través de las múltiples formas tomadas por la gráfica y sus estrategias de organización.

En el marco de La demanda inasumible. Imaginación social y autogestión gráfica en México, 1968-2018 se desarrollarán tres actividades que activarán el diálogo fuera de las salas:

Ciclo de cine: Imaginarios en resistencia Del 27 de octubre al 15 de diciembre de 2018 Sábados, 17:00 horas Auditorio Arq. Pedro Ramírez Vázquez del Museo Amparo Organizado en colaboración con el Colectivo Otro Cine.

Somos lxs nietxs de lxs que no pudisteis callar Sábado 27 de octubre de 2018 19:00 horas Foro Karuzo (11 Oriente 218, Centro, Puebla, Pue.)
Tokada de rock, punk y anarcofeminismo. Se presentará Ruido Subterráneo, La Trola, Las Ingobernables y DJ Bombardier.
Dominio público: imaginación social en México desde 1968 Jueves 15 de noviembre de 2018 12:00 a 20:30 horas

Auditorio Arq. Pedro Ramírez Vázquez del Museo Amparo Jornada de conferencias, foros y debates a cargo de Viétnika Batres, Mina Lorena Navarro, Pablo Gaytán, Alba Rosas Flores, Francisco de Parres Gómez, Guillermo Espinosa Estrada, Rosa Borrás y Verónica Gerber Bicecci.

La demanda inasumible. Imaginación social y autogestión gráfica en México, 1968-2018 permanecerá abierta al público en las Salas de Exposiciones Temporales Planta alta hasta el 14 de enero de 2019.

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Sábado, 27 Octubre 2018 01:13

Cine para niños en Museo Amparo

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