Domingo, 06 Mayo 2018 22:55

Cine para niños Museo Amparo

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Lunes, 02 Abril 2018 11:15

Festival Ambulante en el Museo Amparo

 

 

 

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• El Coloquio de contingencia. Los daños del terremoto es organizado por el Museo Amparo y el Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM
• Este encuentro tiene como objetivo contribuir a la reflexión de una situación inédita: el daño al patrimonio cultural de México causado por los sismos del 7 y 19 de septiembre de 2017
• Este evento cuenta con la participación de una comunidad de investigadores y profesionales sobre patrimonio, conservación, arquitectura y estética, quienes desarrollarán 24 conferencias organizadas en 4 mesas de debate
• El Coloquio se llevará a cabo los días 13 y 14 de marzo de 2018 en el Auditorio del Museo Amparo y contará con transmisión vía streaming a través de www.museoamparo.com

El Museo Amparo y el Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM se complacen en presentar el Coloquio de contingencia. Los daños del terremoto, un encuentro con una duración de dos días en el que una comunidad de investigadores y profesionales sobre patrimonio, conservación, arquitectura y estética, desarrollarán 24 conferencias para contribuir a la reflexión de una situación inédita: el daño al patrimonio cultural de México causado por los sismos del 7 y 19 de septiembre     de 2017.

Estos eventos sísmicos provocaron el mayor daño al patrimonio cultural de México del que se tenga registro histórico. El INAH ha declarado que hay 1,800 inmuebles con daños y es posible que el número final sea mayor. Las afectaciones al patrimonio ornamental, pictórico y escultórico, entre otros, son difíciles de cuantificar debido al tipo de daño que han sufrido, contando que muchos de ellos se han mantenido a la intemperie.

Esta contingencia ha puesto en marcha una gran cantidad de iniciativas ciudadanas e institucionales para restablecer la calidad de vida de los estados afectados. La organización del Coloquio de contingencia. Los daños del terremoto se suma a estos esfuerzos y propone, a través de la reflexión y el diálogo, objetivar acerca de los temas del patrimonio cultural y estético; capacitación especializada en conservación patrimonial y rescate de arquitecturas populares; y un acercamiento a la reformulación del sistema para incorporar a la sociedad civil como principal agente en responder a la emergencia.

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Lunes, 12 Marzo 2018 22:31

Cine para niños en Museo Amparo

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Lunes, 15 Enero 2018 23:21

Ciclo de cine en Museo Amparo

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• Esta exposición es organizada por Fundación MAPFRE, en colaboración con la Fundación Amparo IAP y el Museo Amparo
• La muestra permitirá conocer la vasta obra fotográfica de la artista chilena Paz Errázuriz, quien ha fijado su óptica en retratar el contexto político y social de Chile desde los años setenta
• La fotografía documental que ha creado fue realizada con un método de trabajo basado en la convivencia con las personas retratadas, la confianza y el respeto mutuo
• Se presentan alrededor de 100 obras entre fotografías, videos y documentos a través de diez núcleos temáticos y cronológicos
• La exposición abrirá al público el sábado 18 de noviembre de 2017 y permanecerá hasta el lunes 26 de febrero de 2018

En el marco de la segunda edición del Festival Internacional de Fotografía FotoMéxico, el Museo Amparo se complace en presentar la exposición retrospectiva de la fotógrafa chilena Paz Errázuriz, que será inaugurada el sábado 18 de noviembre a las 12:00 horas con una charla a cargo de la artista y de Juan Vicente Aliaga, curador de la exposición.

Esta muestra dará a conocer la vasta obra fotográfica de Paz Errázuriz (Santiago, Chile, 1944) quien ha fijado su óptica en retratar el contexto político y social de Chile, reuniendo más de 100 obras, entre fotografías, videos y documentos, que permiten recorrer de forma cronológica las distintas temáticas que aborda la artista chilena desde sus inicios a la actualidad.

De formación autodidacta, Errázuriz se lanzó al uso de la técnica fotográfica sin referentes ni modelos movida por la necesidad imperiosa de explorar aquellas realidades humanas orilladas de las representaciones hegemónicas. A medida que avanzaba en su trayectoria, la fotografía documental que había creado fue sin duda el fruto de un método de trabajo poco frecuente basado en la convivencia con los individuos retratados, en la confianza generada por el roce humano, en el tiempo compartido, en el respeto mutuo.

Ya desde los años setenta, tras el golpe de estado de Pinochet y el establecimiento brutal de la dictadura, su mirada buscó en las calles las respuestas al ensordecedor silencio. Y las encontró a lo largo de los años en los rostros captados en blanco y negro de muchos individuos que no encajaban con las normas de comportamiento tradicionales: personas desprotegidas que dormían al raso, hombres y mujeres recluidos en psiquiátricos, miembros de circos pobres, travestis perseguidos por la policía.

Este compromiso social y colectivo se vio también reflejado en la decisión de fundar, en 1981, junto con compañeros de profesión, la Asociación de Fotógrafos Independientes (AFI).

La llegada de la democracia a su país, desde 1990, no mermó la capacidad indagadora de Paz Errázuriz. Su conciencia feminista, puesta de manifiesto en la década anterior, le indujo a emprender una serie dedicada a visibilizar el trabajo de las mujeres chilenas. Fue también en ese momento cuando conoció a Jérwar-asáwer, una descendiente pura de la etnia fueguina kawésqar con quien mantuvo una intensa relación de la que surgiría la serie Los nómadas del mar, en la que plasmó retazos de vida de una población y una cultura indígenas en vías de extinción.

En su producción más reciente, Paz Errázuriz sigue abordando asuntos espinosos e historias singulares. Es el caso de un conjunto de fotografías que muestran el transcurrir diario de personas con acromatopsia, La luz que me ciega, y también el de la serie en color dedicada a la prostitución femenina, Muñecas, frontera Chile-Perú.

La mirada de esta artista destaca por adentrarse en los recovecos más incómodos de la cotidianidad chilena, produciendo una micropolítica de la imagen en la que asoman un sinfín de sujetos cuya experiencia vital, desplazada de la centralidad mayoritaria, interroga al espectador rompiendo sus esquemas.

Esta muestra está organizada cronológicamente a través de diez núcleos temáticos: Agentes y espacios del devenir social, Las edades de la vida (y la muerte), Reclusión, Lucha y resistencia, Exéresis, La desaparición de una etnia, Fortaleza y debilidad, Impedimentos de la mirada, El circo y El sexo, instrumento de supervivencia.

La exposición Paz Errázuriz permanecerá abierta al público en las Galerías 1, 2 y 3 hasta el lunes 26 de febrero de 2018.

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• La muestra examina la potencia del retrato fotográfico para afirmar o cuestionar los estereotipos sociales construidos en torno a nociones de raza, género, clase y nacionalidad
• Las fotografías exhibidas documentan las maneras en que las formas visuales y las estructuras archivísticas construyen actitudes sociales
• Las obras que se exhiben forman parte de la Colección Walther, una institución dedicada a investigar, recopilar, exponer y publicar fotografía y videoarte, en Neu-Ulm, Alemania, y en la ciudad de Nueva York, EE.UU.
• Se presentan alrededor de 500 obras de más de 35 artistas y fotógrafos de la escena moderna y contemporánea de África, Alemania y Asia a través de seis núcleos temáticos
• La exposición abrirá al público el sábado 21 de octubre y permanecerá hasta el lunes 5 de febrero de 2018

En el marco de la segunda edición del Festival Internacional de Fotografía FotoMéxico, el Museo Amparo se complace en presentar la exposición Estructuras de identidad: Fotografía de la Colección Walther, que será inaugurada el sábado 21 de octubre a las 12:00 horas con una charla a cargo del coleccionista Artur Walther y Simon Njami, curador de la exposición.

Estructuras de identidad examina cómo los fotógrafos, a través de una variedad de culturas y períodos históricos, han utilizado el retrato para afirmar o cuestionar los estereotipos sociales construidos en torno a nociones de raza, género, clase y nacionalidad. Al reflexionar sobre cómo la fotografía de retrato se ha desarrollado, Estructuras de identidad visualiza los factores políticos y culturales que moldean las subjetividades individuales y colectivas, con un enfoque particular en la relación entre la autorrepresentación y la identidad social.

Esta muestra también hace hincapié en el trabajo de los artistas –y modelos– que utilizan el retrato para subvertir las expectativas visuales, y desafiar los marcadores de identificación, Estructuras de identidad cuestiona nociones de un auténtico ser estable. La exposición muestra cómo algunos fotógrafos y sus sujetos han sacado provecho de la potencia del retrato fotográfico.

Todos estos esfuerzos reflejan una práctica generalizada y precisa del uso del retrato dentro de una cuadrícula de clasificación más grande que da forma a los significados políticos de esos sujetos. Estas imágenes documentan las maneras en que las formas visuales y las estructuras archivísticas construyen actitudes sociales.

Estructuras de identidad presenta un enfoque que pone de relieve las diferentes maneras en que la subjetividad y la identidad social se forman y se consideran dentro de la historia del medio fotográfico, e ilustra los esfuerzos constantes de la Colección Walther para discutir y considerar la historia de la fotografía más allá de los límites convencionales, temporales, culturales y geográficos.

Estructuras de identidad presenta alrededor de 500 obras de más de 35 artistas y fotógrafos a través de los núcleos temáticos: Retrato y transición social, Eventos del yo. Marcadores de identidad, Representando el yo. Movimientos en la vida cotidiana, Distancia y deseo. El archivo africano y las reconfiguraciones contemporáneas, Actos de intimidad. La mirada erótica en la fotografía japonesa y Los extremos de la naturaleza. Asimismo, la curaduría muestra el trabajo de artistas y fotógrafos de la escena moderna y contemporánea de África, Alemania y Asia.

Los artistas que forman parte de la exposición Estructuras de identidad son: Vito Acconci, Dieter Appelt, Nobuyoshi Araki, Richard Avedon, Sammy Baloji, Oladélé Ajiboyé Bamgboyé, Bernd y Hilla Becher, Jodi Bieber, Karl Blossfeldt, Candice Breitz, Rotimi Fani-Kayode, Samuel Fosso, David Goldblatt, Pieter Hugo, Seydou Keïta, Sabelo Mlangeni, Duane Michals, Santu Mofokeng, Daido Moriyama, Zanele Muholi, J. D. ‘Okhai Ojeikere, Jo Ractliffe, Thomas Ruff, August Sander, Accra Shepp, Guy Tillim, Kohei Yoshiyuki, Yang Fudong, Bernhard y Anna Blume, Jürgen Klauke, Sue Williamson y Manuel García Fernández; así como selecciones de retratos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX, álbumes y estudios científicos y etnográficos.

Acerca de la Colección Walther

La Colección Walther está dedicada a investigar, recopilar, exponer y publicar fotografía y videoarte. Desde su apertura al público en 2010, la colección ha crecido hasta convertirse en una de las colecciones más importantes de fotografía moderna y contemporánea de África y Asia y de videoarte, imaginería vernácula americana, fotografía del siglo XIX y libros de Europa y África. La colección presenta exposiciones y programas públicos en un museo de tres salas en Neu-Ulm, Alemania, y un Espacio de Proyectos en la ciudad de Nueva York, EE.UU. Organizadas en colaboración con los principales curadores internacionales, las exposiciones de la colección tratan de crear yuxtaposiciones dinámicas de artistas cuyas contribuciones a la fotografía amplían significativamente la historia del medio. La serie editorial de la colección realizada con Steidl complementa el programa de exposiciones con extensos catálogos y monografías, los cuales se destacan por la investigación exhaustiva de aclamados escritores, críticos e historiadores del arte.

Reconocida como una institución líder en el estudio y la presentación de la fotografía africana, la Colección Walther presenta diversas exposiciones temáticas y monográficas en Nueva York, exhibiciones anuales de gran formato en Alemania, así como exposiciones itinerantes en todo el mundo.

Acerca del Festival Internacional de Fotografía FotoMéxico 2017

La segunda edición del Festival Internacional de Fotografía FotoMéxico 2017 es realizado por la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México y el Centro de la Imagen, con el objetivo de crear un espacio de creatividad y referente de la reflexión y el diálogo sobre la producción fotográfica nacional e internacional, y sobre la actualidad y la fuerza de este lenguaje y sus creadores.

Bajo el tema Latitudes, la segunda edición del Festival ofrece un punto de vista plural, geográfico, antropológico y multidisciplinario, que incluye exposiciones de reconocidos artistas e importantes colecciones fotográficas procedentes de México, Estados Unidos, Argentina, Perú, España, Francia, Alemania, países escandinavos, India, Japón, Sudáfrica y Nigeria, entre otros. Bajo la coordinación del Centro de la Imagen, FotoMéxico 2017 es un foro abierto a la obra diversa y múltiple de los creadores del lente y desarrolla un amplio programa de actividades paralelas complementarias al festival en diferentes sedes como, museos, galerías y otros espacios expositivos.

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Martes, 26 Septiembre 2017 12:37

Centro de acopio en Museo Amparo

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Miércoles, 02 Agosto 2017 06:31

Generosity

• La Terraza del Museo Amparo será intervenida por el proyecto Generosity
• Generosity es un proyecto generado por la artista visual Dulce Pinzón
• Generosity es un proyecto que plantea un compromiso ambiental con la comunidad a través de intervenciones artísticas en espacios públicos
• La intervención se realizará el sábado 29 de julio y permanecerá abierta al público en la Terraza del Museo hasta el 25 de septiembre de 2017

El Museo Amparo presenta Generosity, proyecto generado por Dulce Pinzón, quien realizó un intervención con una acción colectiva en la Terraza del Museo Amparo el sábado 29 de julio. Generosity es un proyecto que plantea un compromiso ambiental con la comunidad, teniendo como tema focal el uso desmedido del unicel, que perjudica nuestro entorno. El proyecto involucró al público mediante una intervención que consistió en crear una pieza efímera. La frase que se enuncia en esta intervención artística es ¡Wey! ¿usando unicel?, buscando propiciar la toma de conciencia para ser agente de cambio y actuar a partir de acciones concretas.

Generosity hace un reclamo sobre nuestros hábitos de vida en relación con el impacto al medio ambiente a través de la generación de frases contundentes, directas y transgresoras hechas con vasos desechables elaborados a base de almidón de papa y componentes botánicos e instalados en una malla metálica, se busca la reflexión del espectador, haciendo un llamado en torno a las rutinas de consumo y desecho en base a dos cuestionamientos: ¿qué conciencia tenemos de la contaminación del espacio que habitamos?, y ¿cambia el hecho de que nuestros desperdicios no se encuentren en nuestro ámbito?

Esta acción forma parte del proyecto que la artista ha desarrollado en diferentes etapas y espacios públicos para generar, por medio de diversos códigos artísticos, tecnológicos y sociales, un impacto que reúna a agentes artísticos, culturales y ambientales para impulsar legislaciones que permitan cambiar el consumo de productos nocivos por biodegradables e incentivar más proyectos que promuevan un cambio en nuestro entorno.

Los vasos desechables que darán forma a la frase de la intervención tienen un período de degradación en el medio ambiente entre 90 y 240 días, en comparación con vasos desechables hechos de unicel con un período mucho más amplio, la artista propone un mensaje: “No dejar huella en nuestro paso por este mundo que no nos pertenece”.

La pieza permanecerá en la Terraza del Museo Amparo del 29 de julio al 25 de septiembre de 2017.

Dulce Pinzón (Ciudad de México, 1974) Estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad de las Américas Puebla (UDLAP) y Fotografía en la Universidad de Indiana en Pennsylvania, Estados Unidos. En Nueva York estudió Fotografía en el International Center of Photography, Cine en la Universidad de Nueva York y Derecho Laboral en Dowling College, Long Island, Nueva York.

Su obra se inserta en una línea de la fotografía que busca construir la imagen, no captura con su cámara lo que está en la realidad, sino que “inventa” una nueva; para ello echa mano de referentes de la alta cultura o de la cultura popular en donde citar es importante y lo puede hacer con la pintura, el dibujo, los diagramas del arte conceptual, la publicidad, el cine; inclusive puede hacer referencias a otras fotografías.

Su trabajo ha sido exhibido, publicado y coleccionado internacionalmente. En 2001 sus fotos fueron usadas para la portada de la edición en español del libro de Howard Zinn A People’s History of the United States. En 2002 obtuvo la beca Jóvenes Creadores; en 2004 obtuvo el primer premio en la categoría bidimensional en el IV Encuentro de Arte Contemporáneo de Puebla; en 2006 obtuvo el primer premio que otorga el público en la XII Bienal de Fotografía del Centro de la Imagen y fue becaria en ese mismo año de New York Foundation for The Arts y en 2008 de la Fundación Ford. Actualmente es Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA. Trabaja y vive entre México y Nueva York.

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