• Tercerunquinto. Obra inconclusa analiza la práctica artística del colectivo Tercerunquinto realizada en las dos últimas décadas
• El colectivo formado a finales del siglo XX, en Monterrey, México está integrado por Gabriel Cázares y Rolando Flores, y hasta 2014 por Julio Castro
• El trabajo de Tercerunquinto indaga entre los márgenes de la arquitectura, el urbanismo y la escultura pública, y las relaciones personales, sociales, culturales y políticas que se construyen al mismo tiempo en que se edifica una ciudad
• Esta exposición es curada por Cuauhtémoc Medina y Taiyana Pimentel y está organizada a través de tres líneas discursivas: Protocolos, Obra gris y Ocupaciones.
• La muestra incluye la reactivación de obras llevadas a cabo originalmente en otras ciudades del mundo así como esculturas, objetos, instalaciones, dibujos, fotografías y pinturas.
• Durante los procesos de la reactivación de las obras se contará con la participación activa de diferentes actores de la ciudad de Puebla.
• Tercerunquinto. Obra inconclusa es coproducida con el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO)-
• La muestra permanecerá abierta al público en las Salas de Exposiciones Temporales Planta alta y en el Patio Prehispánico hasta el lunes 8 de octubre de 2018

El Museo se complace en presentar la exposición Tercerunquinto. Obra inconclusa, que será inaugurada el sábado 23 de junio a las 12:00 horas con una charla a cargo del colectivo cerunquinto y los curadores Cuauhtémoc Medina y Taiyana Pimentel, en el Auditorio Arq. Pedro Ramírez Vázquez.

Tercerunquinto. Obra inconclusa es una exposición coproducida con el Museo de Arte de Monterrey (MARCO) y analiza la práctica artística del colectivo realizada en las dos últimas décadas.

Formado a finales del siglo XX, en Monterrey, México e integrado por Gabriel Cázares y Rolando Flores, y hasta 2014 por Julio Castro; los artistas han dado visibilidad quitectura informal y a los usos desestructurados de los márgenes urbanos relativos a  las megalópolis contemporáneas.

El análisis crítico de los principios sociales de la modernidad: “desarrollo”, han permitido al colectivo seguir los rastros de las ruinas modernas eivindicarlas a través de la intervención como gesto artístico.

• El Coloquio de contingencia. Los daños del terremoto es organizado por el Museo Amparo y el Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM
• Este encuentro tiene como objetivo contribuir a la reflexión de una situación inédita: el daño al patrimonio cultural de México causado por los sismos del 7 y 19 de septiembre de 2017
• Este evento cuenta con la participación de una comunidad de investigadores y profesionales sobre patrimonio, conservación, arquitectura y estética, quienes desarrollarán 24 conferencias organizadas en 4 mesas de debate
• El Coloquio se llevará a cabo los días 13 y 14 de marzo de 2018 en el Auditorio del Museo Amparo y contará con transmisión vía streaming a través de www.museoamparo.com

El Museo Amparo y el Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM se complacen en presentar el Coloquio de contingencia. Los daños del terremoto, un encuentro con una duración de dos días en el que una comunidad de investigadores y profesionales sobre patrimonio, conservación, arquitectura y estética, desarrollarán 24 conferencias para contribuir a la reflexión de una situación inédita: el daño al patrimonio cultural de México causado por los sismos del 7 y 19 de septiembre     de 2017.

Estos eventos sísmicos provocaron el mayor daño al patrimonio cultural de México del que se tenga registro histórico. El INAH ha declarado que hay 1,800 inmuebles con daños y es posible que el número final sea mayor. Las afectaciones al patrimonio ornamental, pictórico y escultórico, entre otros, son difíciles de cuantificar debido al tipo de daño que han sufrido, contando que muchos de ellos se han mantenido a la intemperie.

Esta contingencia ha puesto en marcha una gran cantidad de iniciativas ciudadanas e institucionales para restablecer la calidad de vida de los estados afectados. La organización del Coloquio de contingencia. Los daños del terremoto se suma a estos esfuerzos y propone, a través de la reflexión y el diálogo, objetivar acerca de los temas del patrimonio cultural y estético; capacitación especializada en conservación patrimonial y rescate de arquitecturas populares; y un acercamiento a la reformulación del sistema para incorporar a la sociedad civil como principal agente en responder a la emergencia.

• Esta exposición es organizada por Fundación MAPFRE, en colaboración con la Fundación Amparo IAP y el Museo Amparo
• La muestra permitirá conocer la vasta obra fotográfica de la artista chilena Paz Errázuriz, quien ha fijado su óptica en retratar el contexto político y social de Chile desde los años setenta
• La fotografía documental que ha creado fue realizada con un método de trabajo basado en la convivencia con las personas retratadas, la confianza y el respeto mutuo
• Se presentan alrededor de 100 obras entre fotografías, videos y documentos a través de diez núcleos temáticos y cronológicos
• La exposición abrirá al público el sábado 18 de noviembre de 2017 y permanecerá hasta el lunes 26 de febrero de 2018

En el marco de la segunda edición del Festival Internacional de Fotografía FotoMéxico, el Museo Amparo se complace en presentar la exposición retrospectiva de la fotógrafa chilena Paz Errázuriz, que será inaugurada el sábado 18 de noviembre a las 12:00 horas con una charla a cargo de la artista y de Juan Vicente Aliaga, curador de la exposición.

Esta muestra dará a conocer la vasta obra fotográfica de Paz Errázuriz (Santiago, Chile, 1944) quien ha fijado su óptica en retratar el contexto político y social de Chile, reuniendo más de 100 obras, entre fotografías, videos y documentos, que permiten recorrer de forma cronológica las distintas temáticas que aborda la artista chilena desde sus inicios a la actualidad.

De formación autodidacta, Errázuriz se lanzó al uso de la técnica fotográfica sin referentes ni modelos movida por la necesidad imperiosa de explorar aquellas realidades humanas orilladas de las representaciones hegemónicas. A medida que avanzaba en su trayectoria, la fotografía documental que había creado fue sin duda el fruto de un método de trabajo poco frecuente basado en la convivencia con los individuos retratados, en la confianza generada por el roce humano, en el tiempo compartido, en el respeto mutuo.

Ya desde los años setenta, tras el golpe de estado de Pinochet y el establecimiento brutal de la dictadura, su mirada buscó en las calles las respuestas al ensordecedor silencio. Y las encontró a lo largo de los años en los rostros captados en blanco y negro de muchos individuos que no encajaban con las normas de comportamiento tradicionales: personas desprotegidas que dormían al raso, hombres y mujeres recluidos en psiquiátricos, miembros de circos pobres, travestis perseguidos por la policía.

Este compromiso social y colectivo se vio también reflejado en la decisión de fundar, en 1981, junto con compañeros de profesión, la Asociación de Fotógrafos Independientes (AFI).

La llegada de la democracia a su país, desde 1990, no mermó la capacidad indagadora de Paz Errázuriz. Su conciencia feminista, puesta de manifiesto en la década anterior, le indujo a emprender una serie dedicada a visibilizar el trabajo de las mujeres chilenas. Fue también en ese momento cuando conoció a Jérwar-asáwer, una descendiente pura de la etnia fueguina kawésqar con quien mantuvo una intensa relación de la que surgiría la serie Los nómadas del mar, en la que plasmó retazos de vida de una población y una cultura indígenas en vías de extinción.

En su producción más reciente, Paz Errázuriz sigue abordando asuntos espinosos e historias singulares. Es el caso de un conjunto de fotografías que muestran el transcurrir diario de personas con acromatopsia, La luz que me ciega, y también el de la serie en color dedicada a la prostitución femenina, Muñecas, frontera Chile-Perú.

La mirada de esta artista destaca por adentrarse en los recovecos más incómodos de la cotidianidad chilena, produciendo una micropolítica de la imagen en la que asoman un sinfín de sujetos cuya experiencia vital, desplazada de la centralidad mayoritaria, interroga al espectador rompiendo sus esquemas.

Esta muestra está organizada cronológicamente a través de diez núcleos temáticos: Agentes y espacios del devenir social, Las edades de la vida (y la muerte), Reclusión, Lucha y resistencia, Exéresis, La desaparición de una etnia, Fortaleza y debilidad, Impedimentos de la mirada, El circo y El sexo, instrumento de supervivencia.

La exposición Paz Errázuriz permanecerá abierta al público en las Galerías 1, 2 y 3 hasta el lunes 26 de febrero de 2018.

• La muestra examina la potencia del retrato fotográfico para afirmar o cuestionar los estereotipos sociales construidos en torno a nociones de raza, género, clase y nacionalidad
• Las fotografías exhibidas documentan las maneras en que las formas visuales y las estructuras archivísticas construyen actitudes sociales
• Las obras que se exhiben forman parte de la Colección Walther, una institución dedicada a investigar, recopilar, exponer y publicar fotografía y videoarte, en Neu-Ulm, Alemania, y en la ciudad de Nueva York, EE.UU.
• Se presentan alrededor de 500 obras de más de 35 artistas y fotógrafos de la escena moderna y contemporánea de África, Alemania y Asia a través de seis núcleos temáticos
• La exposición abrirá al público el sábado 21 de octubre y permanecerá hasta el lunes 5 de febrero de 2018

En el marco de la segunda edición del Festival Internacional de Fotografía FotoMéxico, el Museo Amparo se complace en presentar la exposición Estructuras de identidad: Fotografía de la Colección Walther, que será inaugurada el sábado 21 de octubre a las 12:00 horas con una charla a cargo del coleccionista Artur Walther y Simon Njami, curador de la exposición.

Estructuras de identidad examina cómo los fotógrafos, a través de una variedad de culturas y períodos históricos, han utilizado el retrato para afirmar o cuestionar los estereotipos sociales construidos en torno a nociones de raza, género, clase y nacionalidad. Al reflexionar sobre cómo la fotografía de retrato se ha desarrollado, Estructuras de identidad visualiza los factores políticos y culturales que moldean las subjetividades individuales y colectivas, con un enfoque particular en la relación entre la autorrepresentación y la identidad social.

Esta muestra también hace hincapié en el trabajo de los artistas –y modelos– que utilizan el retrato para subvertir las expectativas visuales, y desafiar los marcadores de identificación, Estructuras de identidad cuestiona nociones de un auténtico ser estable. La exposición muestra cómo algunos fotógrafos y sus sujetos han sacado provecho de la potencia del retrato fotográfico.

Todos estos esfuerzos reflejan una práctica generalizada y precisa del uso del retrato dentro de una cuadrícula de clasificación más grande que da forma a los significados políticos de esos sujetos. Estas imágenes documentan las maneras en que las formas visuales y las estructuras archivísticas construyen actitudes sociales.

Estructuras de identidad presenta un enfoque que pone de relieve las diferentes maneras en que la subjetividad y la identidad social se forman y se consideran dentro de la historia del medio fotográfico, e ilustra los esfuerzos constantes de la Colección Walther para discutir y considerar la historia de la fotografía más allá de los límites convencionales, temporales, culturales y geográficos.

Estructuras de identidad presenta alrededor de 500 obras de más de 35 artistas y fotógrafos a través de los núcleos temáticos: Retrato y transición social, Eventos del yo. Marcadores de identidad, Representando el yo. Movimientos en la vida cotidiana, Distancia y deseo. El archivo africano y las reconfiguraciones contemporáneas, Actos de intimidad. La mirada erótica en la fotografía japonesa y Los extremos de la naturaleza. Asimismo, la curaduría muestra el trabajo de artistas y fotógrafos de la escena moderna y contemporánea de África, Alemania y Asia.

Los artistas que forman parte de la exposición Estructuras de identidad son: Vito Acconci, Dieter Appelt, Nobuyoshi Araki, Richard Avedon, Sammy Baloji, Oladélé Ajiboyé Bamgboyé, Bernd y Hilla Becher, Jodi Bieber, Karl Blossfeldt, Candice Breitz, Rotimi Fani-Kayode, Samuel Fosso, David Goldblatt, Pieter Hugo, Seydou Keïta, Sabelo Mlangeni, Duane Michals, Santu Mofokeng, Daido Moriyama, Zanele Muholi, J. D. ‘Okhai Ojeikere, Jo Ractliffe, Thomas Ruff, August Sander, Accra Shepp, Guy Tillim, Kohei Yoshiyuki, Yang Fudong, Bernhard y Anna Blume, Jürgen Klauke, Sue Williamson y Manuel García Fernández; así como selecciones de retratos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX, álbumes y estudios científicos y etnográficos.

Acerca de la Colección Walther

La Colección Walther está dedicada a investigar, recopilar, exponer y publicar fotografía y videoarte. Desde su apertura al público en 2010, la colección ha crecido hasta convertirse en una de las colecciones más importantes de fotografía moderna y contemporánea de África y Asia y de videoarte, imaginería vernácula americana, fotografía del siglo XIX y libros de Europa y África. La colección presenta exposiciones y programas públicos en un museo de tres salas en Neu-Ulm, Alemania, y un Espacio de Proyectos en la ciudad de Nueva York, EE.UU. Organizadas en colaboración con los principales curadores internacionales, las exposiciones de la colección tratan de crear yuxtaposiciones dinámicas de artistas cuyas contribuciones a la fotografía amplían significativamente la historia del medio. La serie editorial de la colección realizada con Steidl complementa el programa de exposiciones con extensos catálogos y monografías, los cuales se destacan por la investigación exhaustiva de aclamados escritores, críticos e historiadores del arte.

Reconocida como una institución líder en el estudio y la presentación de la fotografía africana, la Colección Walther presenta diversas exposiciones temáticas y monográficas en Nueva York, exhibiciones anuales de gran formato en Alemania, así como exposiciones itinerantes en todo el mundo.

Acerca del Festival Internacional de Fotografía FotoMéxico 2017

La segunda edición del Festival Internacional de Fotografía FotoMéxico 2017 es realizado por la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México y el Centro de la Imagen, con el objetivo de crear un espacio de creatividad y referente de la reflexión y el diálogo sobre la producción fotográfica nacional e internacional, y sobre la actualidad y la fuerza de este lenguaje y sus creadores.

Bajo el tema Latitudes, la segunda edición del Festival ofrece un punto de vista plural, geográfico, antropológico y multidisciplinario, que incluye exposiciones de reconocidos artistas e importantes colecciones fotográficas procedentes de México, Estados Unidos, Argentina, Perú, España, Francia, Alemania, países escandinavos, India, Japón, Sudáfrica y Nigeria, entre otros. Bajo la coordinación del Centro de la Imagen, FotoMéxico 2017 es un foro abierto a la obra diversa y múltiple de los creadores del lente y desarrolla un amplio programa de actividades paralelas complementarias al festival en diferentes sedes como, museos, galerías y otros espacios expositivos.